Origini e scuole di arte astratta

L'arte astratta (a volte chiamata arte non oggettiva) è un dipinto o una scultura che non raffigura una persona, un luogo o una cosa nel mondo naturale. Con l'arte astratta, il soggetto dell'opera è ciò che vedi: colore, forme, pennellate, dimensioni, scala e, in alcuni casi, il processo stesso, come nella pittura d'azione. 

Gli artisti astratti si sforzano di essere non obiettivi e non rappresentativi, permettendo allo spettatore di interpretare il significato di ogni opera d'arte a modo suo. Pertanto, l'arte astratta non è una visione esagerata o distorta del mondo come vediamo nei dipinti cubisti di Paul Cézanne (1839-1906) e Pablo Picasso (1881-1973), poiché presentano un tipo di realismo concettuale. Invece, forma e colore diventano il fuoco e il soggetto del pezzo.

Mentre alcune persone potrebbero obiettare che l'arte astratta non richiede le capacità tecniche dell'arte rappresentativa, altre supplicerebbero di differire. In effetti, è diventato uno dei maggiori dibattiti nell'arte moderna. Come diceva l'artista astratta russa Vasily Kandinsky (1866-1944):

"Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede che tu sappia disegnare bene, che tu abbia una maggiore sensibilità per la composizione e per i colori e che tu sia un vero poeta. Quest'ultima è essenziale." 

Le origini dell'arte astratta

Gli storici dell'arte in genere identificano l'inizio del XX secolo come un momento storico importante nella storia dell'arte astratta. Durante questo periodo, gli artisti hanno lavorato per creare quella che hanno definito "arte pura": opere creative che non erano basate su percezioni visive, ma sull'immaginazione dell'artista. Opere influenti di questo periodo includono "Picture with a Circle" del 1911 di Kandinsky e "Caoutchouc", creato dall'artista d'avanguardia francese Francis Picabia (1879-1953) nel 1909.

Le radici dell'arte astratta, tuttavia, possono essere fatte risalire molto più indietro. Artisti associati a movimenti come l'impressionismo e l'espressionismo del XIX secolo stavano sperimentando l'idea che la pittura potesse catturare emozioni e soggettività. Non deve semplicemente concentrarsi su percezioni visive apparentemente oggettive. Tornando ancora più indietro, molti dipinti rupestri antichi, motivi tessili e disegni di ceramiche hanno catturato una realtà simbolica piuttosto che tentare di presentare oggetti come li vediamo.

Primi artisti astratti influenti

Kandinsky è spesso considerato uno degli artisti astratti più influenti. Una visione di come il suo stile sia passato dalla rappresentazione all'arte astratta pura nel corso degli anni è uno sguardo affascinante al movimento in generale. Lo stesso Kandinsky era abile nello spiegare come un artista astratto potesse usare il colore per dare uno scopo di lavoro apparentemente insignificante.

Kandinsky credeva che i colori provocassero emozioni. Il rosso era vivace e sicuro di sé; il verde era pacifico con forza interiore; il blu era profondo e soprannaturale; il giallo potrebbe essere caldo, eccitante, inquietante o totalmente fuori di testa; e il bianco sembrava silenzioso ma pieno di possibilità. Ha anche assegnato i toni dello strumento per ogni colore. Il rosso suonava come una tromba; il verde suonava come un violino in posizione centrale; l'azzurro suonava come un flauto; il blu scuro sembrava un violoncello, il giallo sembrava una fanfara di trombe; il bianco sembrava la pausa in una melodia armoniosa.

Queste analogie con i suoni provenivano dall'apprezzamento di Kandinsky per la musica, in particolare le opere del compositore viennese contemporaneo Arnold Schoenberg (1874-1951). I titoli di Kandinsky si riferiscono spesso ai colori della composizione o alla musica, ad esempio "Improvisation 28" e "Composition II". 

L'artista francese Robert Delaunay (1885-1941) apparteneva a Blue Rider di Kandinsky (Die Blaue Reiter) gruppo. Con sua moglie, Sonia Delaunay-Turk, nata in Russia (1885-1979), entrambi gravitarono verso l'astrazione nel proprio movimento, Orfismo o Cubismo Orfico.

Esempi di arte astratta e artisti

Oggi, "arte astratta" è spesso un termine generico che comprende una vasta gamma di stili e movimenti artistici. Tra questi vi sono l'arte non rappresentativa, l'arte non oggettiva, l'espressionismo astratto, arte informale (una forma di arte gestuale), e anche qualche arte op (arte ottica, riferendosi all'arte che utilizza illusioni ottiche). L'arte astratta può essere gestuale, geometrica, fluida o che implica cose figurative che non sono visive come emozione, suono o spiritualità.

Mentre tendiamo ad associare l'arte astratta alla pittura e alla scultura, essa può applicarsi a qualsiasi mezzo visivo, compresi assemblaggio e fotografia. Tuttavia, sono i pittori ad attirare maggiormente l'attenzione in questo movimento. Ci sono molti artisti famosi che rappresentano i vari approcci che si possono adottare per l'arte astratta e hanno avuto una notevole influenza sull'arte moderna.

• Carlo Carrà (1881-1966) era un pittore italiano noto per le sue opere nel futurismo, una forma di arte astratta che enfatizzava l'energia e la tecnologia in rapida evoluzione dell'inizio del XX secolo. Durante la sua carriera, ha lavorato anche nel cubismo e molti dei suoi dipinti erano astrazioni della realtà. Tuttavia, il suo manifesto "Pittura di suoni, rumori e odori" (1913) influenzò molti artisti astratti. Spiega il suo fascino per la sinestesia, un crossover sensoriale in cui, ad esempio, si "sente l'odore" di un colore, che è al centro di molte opere d'arte astratte.
• Umberto Boccioni (1882-1916) fu un altro futurista italiano che si concentrò su forme geometriche e fu fortemente influenzato dal cubismo. Il suo lavoro descrive spesso il movimento fisico come si vede in "States of Mind" (1911). Questa serie di tre dipinti cattura il movimento e l'emozione di una stazione ferroviaria piuttosto che la rappresentazione fisica di passeggeri e treni.
• Kazimir Malevich (1878-1935) era un pittore russo che molti descrivono come un pioniere dell'arte astratta geometrica. Una delle sue opere più conosciute è "Black Square" (1915). È semplicistico ma assolutamente affascinante per gli storici dell'arte perché, come dice un'analisi della Tate, "È la prima volta che qualcuno realizza un dipinto che non era di qualcosa". 
• Jackson Pollock (1912-1956), un pittore americano, viene spesso rappresentato come la rappresentazione ideale dell'espressionismo astratto, o action painting. Il suo lavoro è più di gocciolamenti e schizzi di vernice su tela, ma completamente gestuale e ritmico e spesso impiega tecniche molto non tradizionali. Ad esempio, "Full Fathom Five" (1947) è un olio su tela creato, in parte, con puntine, monete, sigarette e molto altro. Alcuni dei suoi lavori, come "There Were Seven in Eight" (1945) sono enormi, si estendono per oltre un metro e mezzo di larghezza.
• Mark Rothko (1903-1970) portò gli abstract geometrici di Malevich a un nuovo livello di modernismo con la pittura a colori. Questo pittore americano si alzò negli anni '40 e semplificò il colore in un soggetto tutto suo, ridefinendo l'arte astratta per la prossima generazione. I suoi dipinti, come "Four Darks in Red" (1958) e "Orange, Red and Yellow" (1961), sono notevoli per il loro stile come lo sono per le loro grandi dimensioni.