Surrealismo, la straordinaria arte dei sogni

Il surrealismo sfida la logica. I sogni e il funzionamento della mente subconscia ispirano l'arte surrealista (francese per "super-realismo") piena di strane immagini e bizzarre accostamenti.

I pensatori creativi hanno sempre giocato con la realtà, ma all'inizio degli anni 20^esimo secolo Il surrealismo è emerso come un movimento filosofico e culturale. Alimentato dagli insegnamenti di Freud e dal lavoro ribelle di artisti e poeti di Dada, surrealisti come Salvador Dalí, René Magritte e Max Ernst hanno promosso la libera associazione e l'immaginazione dei sogni. Artisti visivi, poeti, drammaturghi, compositori e cineasti hanno cercato modi per liberare la psiche e toccare i serbatoi nascosti della creatività.

Caratteristiche dell'arte surrealista

• Scene oniriche e immagini simboliche
• Giustapposizioni inattese e illogiche
• Bizzarri assemblaggi di oggetti ordinari
• Automatismo e spirito di spontaneità
• Giochi e tecniche per creare effetti casuali
• Iconografia personale
• Giochi di parole visivi 
• Figure distorte e forme biomorfe
• Sessualità disinibita e argomenti tabù
• Disegni primitivi o infantili

Come il surrealismo divenne un movimento culturale

L'arte di un passato lontano può apparire surreale all'occhio moderno. Draghi e demoni popolano antichi affreschi e trittici medievali. Il pittore rinascimentale italiano Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) usò gli effetti del trompe l'oeil ("stupido occhio") per raffigurare volti umani fatti di frutta, fiori, insetti o pesci. L'artista olandese Hieronymus Bosch (1450-1516 ca.) trasformò gli animali da cortile e gli oggetti domestici in mostri terrificanti.

Salvador Dalí ha modellato la sua strana roccia su un'immagine di Hieronymus Bosch? A sinistra: dettaglio da The Garden of Earthly Delights, 1503-1504, di Hieronymus Bosch. A destra: dettaglio di The Great Masturbator, 1929, di Salvador Dalí. Credito: Leemage / Corbis e Bertrand Rindoff Petroff via Getty Images

I surrealisti del ventesimo secolo elogiarono "Il giardino delle delizie terrene" e definirono Bosch il loro predecessore. L'artista surrealista Salvador Dalí (1904-1989) potrebbe aver imitato Bosch quando dipinse la strana formazione rocciosa a forma di faccia nel suo capolavoro incredibilmente erotico, "Il grande masturbatore". Tuttavia, le immagini inquietanti dipinte da Bosch non sono surrealiste in senso moderno. È probabile che Bosch mirasse a insegnare lezioni bibliche piuttosto che esplorare angoli bui della sua psiche.

Allo stesso modo, i ritratti deliziosamente complessi e bizzarri di Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) sono enigmi visivi progettati per divertire piuttosto che sondare l'inconscio. Anche se sembrano surreali, i dipinti dei primi artisti riflettono il pensiero deliberato e le convenzioni del loro tempo.

Al contrario, i surrealisti del XX secolo si ribellarono alle convenzioni, ai codici morali e alle inibizioni della mente cosciente. Il movimento emerse da Dada, un approccio all'avanguardia all'arte che derise l'establishment. Le idee marxiste hanno scatenato un disprezzo per la società capitalista e una sete di ribellione sociale. Gli scritti di Sigmund Freud suggerivano che nel subconscio si potevano trovare forme superiori di verità. Inoltre, il caos e la tragedia della prima guerra mondiale hanno stimolato il desiderio di staccarsi dalla tradizione ed esplorare nuove forme di espressione. 

Nel 1917, lo scrittore e critico francese Guillaume Apollinaire (1880-1918) usò il termine "surréalisme” descrivere Parata, un balletto d'avanguardia con musiche di Erik Satie, costumi e scenografie di Pablo Picasso e storie e coreografie di altri artisti di spicco. Fazioni rivali di giovani parigini abbracciate surréalisme e dibattuto caldamente sul significato del termine. Il movimento fu lanciato ufficialmente nel 1924 quando il poeta André Breton (1896-1966) pubblicò il Primo manifesto del surrealismo.

Strumenti e tecniche degli artisti surrealisti

I primi seguaci del movimento surrealista erano rivoluzionari che cercavano di liberare la creatività umana. Breton ha aperto un ufficio per la ricerca surrealista in cui i membri hanno condotto interviste e assemblato un archivio di studi sociologici e immagini dei sogni. Tra il 1924 e il 1929 pubblicarono dodici numeri di La Révolutionsur réaliste, un diario di trattati militanti, rapporti su suicidi e crimini ed esplorazioni nel processo creativo.

Inizialmente, il surrealismo era principalmente un movimento letterario. Louis Aragon (1897-1982), Paul Éluard (1895-1952) e altri poeti sperimentarono la scrittura automatica, o automatismo, per liberare la loro immaginazione. Gli scrittori surrealisti hanno anche trovato ispirazione in ritagli, collage e altri tipi di poesie trovate.

Gli artisti visivi del movimento surrealista si sono basati sul disegno di giochi e su una varietà di tecniche sperimentali per randomizzare il processo creativo. Ad esempio, in un metodo noto come decalcomania, gli artisti hanno spruzzato la vernice sulla carta, quindi hanno strofinato la superficie per creare motivi. allo stesso modo, bulletism implicava sparare inchiostro su una superficie e éclaboussure comportava schizzi di liquido su una superficie verniciata che veniva poi spugnata. Strano e spesso divertente assemblaggi degli oggetti trovati divenne un modo popolare per creare giustapposizioni che sfidavano i preconcetti.

Un devoto marxista, André Breton credeva che l'arte scaturisse da uno spirito collettivo. Artisti surrealisti spesso lavoravano insieme a progetti. Il numero di ottobre 1927 di La Révolution surréaliste opere in primo piano generate da un'attività collaborativa chiamata Cadavre Exquis, o Cadavere squisito. I partecipanti a turno scrivevano o disegnavano su un foglio di carta. Dal momento che nessuno sapeva cosa esistesse già nella pagina, il risultato finale è stato un composto sorprendente e assurdo.

Stili artistici surrealisti

Gli artisti visivi nel movimento surrealista erano un gruppo diversificato. Le prime opere dei surrealisti europei seguivano spesso la tradizione Dada di trasformare oggetti familiari in opere satiriche e senza senso. Con l'evolversi del movimento surrealista, gli artisti hanno sviluppato nuovi sistemi e tecniche per esplorare il mondo irrazionale della mente subconscia. Sono emerse due tendenze: biomorfica (o, astratta) e figurativa.

Giorgio de Chirico. Dalla serie metafisica di Town Square, ca. 1912. Olio su tela. Dea / M. Carrieri via Getty Images

I surrealisti figurativi hanno prodotto un'arte rappresentativa riconoscibile. Molti surrealisti figurativi furono profondamente influenzati da Giorgio de Chirico (1888-1978), un pittore italiano che fondò il Metafisica, o Metafisico, movimento. Hanno elogiato la qualità onirica delle piazze deserte di de Chirico con file di archi, treni distanti e figure spettrali. Come de Chirico, i surrealisti figurativi hanno usato tecniche di realismo per rendere sorprendenti scene allucinatorie.

I surrealisti biomorfi (astratti) volevano liberarsi completamente dalle convenzioni. Hanno esplorato i nuovi media e creato opere astratte composte da forme e simboli indefiniti, spesso irriconoscibili. Le mostre sul surrealismo tenute in Europa negli anni '20 e all'inizio degli anni '30 presentavano stili sia figurativi che biomorfi, nonché opere che potrebbero essere classificate come dadaiste.

Grandi artisti surrealisti in Europa

Jean Arp: Nato a Strasburgo, Jean Arp (1886-1966) fu un pioniere di Dada che scrisse poesie e sperimentò una varietà di mezzi visivi come carta strappata e costruzioni in legno a rilievo. Il suo interesse per le forme organiche e l'espressione spontanea si allineavano alla filosofia surrealista. Arp espose con artisti surrealisti a Parigi e divenne famoso per sculture fluide e biomorfe come "Tête et coquille "(Head and Shell). Durante gli anni '30, Arp passò a uno stile non prescrittivo che chiamò Abstraction-Création.

Salvador Dalì: L'artista spagnolo catalano Salvador Dalí (1904-1989) fu abbracciato dal movimento surrealista alla fine degli anni 1920 solo per essere espulso nel 1934. Tuttavia, Dalí acquisì fama internazionale come innovatore che incarnava lo spirito del surrealismo, sia nella sua arte che nella sua comportamento sgargiante e irriverente. Dalí condusse esperimenti onirici ampiamente pubblicizzati in cui si adagiava nel letto o in una vasca da bagno mentre disegnava le sue visioni. Ha affermato che gli orologi di fusione nel suo famoso dipinto, "La persistenza della memoria", provenivano da allucinazioni autoindotte.

Paul Delvaux: Ispirato alle opere di Giorgio de Chirico, l'artista belga Paul Delvaux (1897-1994) si associò al Surrealismo quando dipinse scene illusorie di donne seminude che dormivano dormendo tra le rovine classiche. In "L'aurore", ad esempio, le donne con le gambe a forma di albero sono radicate mentre figure misteriose si muovono sotto archi distanti ricoperti di viti.

Max Ernst: Artista tedesco di molti generi, Max Ernst (1891-1976) si alzò dal movimento Dada per diventare uno dei primi e più ardenti surrealisti. Ha sperimentato disegni automatici, collage, ritagli, frottage (sfregamenti a matita) e altre tecniche per ottenere giustapposizioni inaspettate e giochi di parole. Il suo dipinto "Celebes" del 1921 pone una donna senza testa con una bestia che è in parte macchina, in parte elefante. Il titolo del dipinto deriva da una filastrocca tedesca.

Alberto Giacometti: Le sculture del surrealista svizzero Alberto Giacometti (1901-1966) sembrano giocattoli o manufatti primitivi, ma fanno allarmanti riferimenti a traumi e ossessioni sessuali. "Femme égorgée" (Donna con il taglio alla gola) distorce le parti anatomiche per creare una forma che è sia orribile che giocosa. Giacometti lasciò il Surrealismo alla fine degli anni '30 e divenne noto per le rappresentazioni figurative di forme umane allungate.

Paul Klee. Musica in fiera, 1924-26. De Agostini / G. Dagli Orti via Getty Images

Paul Klee: L'artista tedesco-svizzero Paul Klee (1879-1940) proveniva da una famiglia di musicisti e riempì i suoi dipinti con un'iconografia personale di note musicali e simboli giocosi. Il suo lavoro è strettamente associato all'espressionismo e al Bauhaus. Tuttavia, i membri del movimento surrealista hanno ammirato l'uso di disegni automatici di Klee per generare dipinti disinibiti come Musica in fiera, e Klee è stato incluso in mostre surrealiste.  

René Magritte. L'assassino minacciato, 1927. Olio su tela. 150,4 x 195,2 cm (59,2 × 76,9 pollici). Colin McPherson via Getty Images

René Magritte: Il movimento surrealista era già ben avviato quando l'artista belga René Magritte (1898-1967) si trasferì a Parigi e si unì ai fondatori. È diventato noto per i rendering realistici di scene allucinatorie, contrapposizioni inquietanti e giochi di parole. "The Minacciato Assassino", per esempio, mette uomini placidi che indossano completi e bombette nel bel mezzo di una scena del crimine raccapricciante raccapricciante.

André Masson: Ferito e traumatizzato durante la prima guerra mondiale, André Masson (1896-1987) divenne uno dei primi seguaci del movimento surrealista e un entusiasta sostenitore del disegno automatico. Ha sperimentato droghe, ha saltato il sonno e ha rifiutato il cibo per indebolire il suo controllo cosciente sui movimenti della sua penna. Alla ricerca della spontaneità, Masson lanciò anche colla e sabbia sulle tele e dipinse le forme che si formavano. Sebbene alla fine Masson tornò a stili più tradizionali, i suoi esperimenti portarono a nuovi approcci espressivi all'arte.

Joan Miró. Femme et oiseaux (Woman and Birds), 1940, # 8 della serie Constellations di Miró. Lavaggio a olio e tempera su carta. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 pollici). Credito: Tristan Fewings via Getty Images

Joan Miró: Il pittore, tipografo, artista di collage e scultore Joan Miró (1893-1983) ha creato forme biomorfiche dai colori vivaci che sembravano emergere dall'immaginazione. Miró ha usato scarabocchi e disegni automatici per stimolare la sua creatività, ma i suoi lavori sono stati accuratamente composti. Ha esposto con il gruppo surrealista e molte delle sue opere mostrano l'influenza del movimento. "Femme et oiseaux" (Woman and Birds) della serie Constellations di Miró suggerisce un'iconografia personale che è sia riconoscibile che strana.

Meret Oppenheim: Tra le molte opere di Méret Elisabeth Oppenheim (1913-1985) c'erano assemblaggi così scandalosi che i surrealisti europei la accolsero nella loro comunità tutta maschile. Oppenheim è cresciuta in una famiglia di psicoanalisti svizzeri e ha seguito gli insegnamenti di Carl Jung. Il suo famigerato "Oggetto in pelliccia" (noto anche come "Pranzo in pelliccia") fonde una bestia (la pelliccia) con un simbolo di civiltà (una tazza di tè). L'ibrido inquietante divenne noto come l'epitome del surrealismo. 

Pablo Picasso: Quando fu lanciato il movimento surrealista, l'artista spagnolo Pablo Picasso (1881-1973) fu già lodato come un antenato del cubismo. I dipinti e le sculture cubiste di Picasso non derivano dai sogni e ha solo aggirato i bordi del movimento surrealista. Tuttavia, il suo lavoro ha espresso una spontaneità in linea con l'ideologia surrealista. Picasso espose con artisti surrealisti e fece riprodurre opere La Révolution surréaliste. Il suo interesse per l'iconografia e le forme primitive ha portato a una serie di dipinti sempre più surreali. Ad esempio, "On the Beach" (1937) colloca forme umane distorte in un ambiente da sogno. Picasso scrisse anche poesie surreali composte da immagini frammentate separate da trattini. Ecco un estratto da una poesia che Picasso scrisse nel novembre 1935:

quando il toro apre la porta del ventre del cavallo, con il suo corno, e fa sporgere il muso verso il bordo, ascolta nelle prese più profonde di tutti e con gli occhi di san lucia, i suoni di furgoni che si muovono stretti di picador su pony scacciati da un cavallo nero

Man Ray. Rayograph 1922. Stampa alla gelatina d'argento (fotogramma). 22,5 x 17,3 cm (8,8 x 6,8 pollici). Archivio fotografico storico tramite Getty Images

Man Ray: Nato negli Stati Uniti, Emmanuel Radnitzky (1890-1976) era figlio di un sarto e di una sarta. La famiglia adottò il nome "Ray" per nascondere la propria identità ebraica durante un'era di intenso antisemitismo. Nel 1921, "Man Ray" si trasferì a Parigi, dove divenne importante nei movimenti Dada e surrealisti. Lavorando su una varietà di media, esplorò identità ambigue e risultati casuali. I suoi rayografi erano immagini inquietanti create posizionando oggetti direttamente su carta fotografica.

Man Ray. Oggetto indistruttibile (o oggetto da distruggere), riproduzione sovradimensionata dell'originale del 1923. Esposizione al Museo del Prado, Madrid. Atlantide Phototravel via Getty Images

Man Ray è stato anche notato per bizzarri assemblaggi tridimensionali come "Object to Be Destroyed", che giustappone un metronomo con una fotografia dell'occhio di una donna. Ironia della sorte, l'originale "Oggetto da distruggere"è stato perso durante una mostra.

Yves Tanguy: Ancora nella sua adolescenza quando la parola surréalisme emerse, l'artista francese Yves Tanguy (1900-1955) insegnò a dipingere le formazioni geologiche allucinatorie che lo hanno reso un'icona del movimento surrealista. Paesaggi da sogno come "Le soleil dans son écrin" (Il sole nella sua custodia gioiello) illustrano il fascino di Tanguy per le forme primordiali. Realisticamente reso, molti dei dipinti di Tanguy sono stati ispirati dai suoi viaggi in Africa e nel sud-ovest americano.

Surrealisti nelle Americhe

Il surrealismo come stile artistico sopravvisse di gran lunga al movimento culturale fondato da André Breton. Il poeta e ribelle appassionato fu pronto ad espellere i membri del gruppo se non condividevano le sue opinioni di sinistra. Nel 1930, Breton pubblicò un "Secondo Manifesto del Surrealismo", in cui si scagliò contro le forze del materialismo e condannò artisti che non abbracciarono il collettivismo. I surrealisti formarono nuove alleanze. Mentre incombeva la seconda guerra mondiale, molti si diressero verso gli Stati Uniti.

L'importante collezionista americano Peggy Guggenheim (1898-1979) espose surrealisti, tra cui Salvador Dalí, Yves Tanguy e suo marito Max Ernst. André Breton continuò a scrivere e promuovere i suoi ideali fino alla sua morte nel 1966, ma da allora il dogma marxista e freudiano era sbiadito dall'arte surrealista. Un impulso per l'auto-espressione e la libertà dai vincoli del mondo razionale portarono pittori come Willem de Kooning (1904-1997) e Arshile Gorky (1904-1948) all'Espressionismo astratto.

Louise Bourgeois. Maman (madre), 1999. Acciaio inossidabile, bronzo e marmo. 9271 x 8915 x 10236 mm (circa 33 piedi di altezza). In mostra al Museo Guggenheim progettato da Frank Gehry a Bilbao, in Spagna. Nick Ledger / Getty Images

Nel frattempo, diverse importanti artisti donne hanno reinventato il surrealismo negli Stati Uniti. Kay Sage (1898-1963) dipinse scene surreali di grandi strutture architettoniche. Dorothea Tanning (1910-2012) ha ottenuto il plauso per i dipinti fotorealistici di immagini surreali. Scultore franco-americano Louise Bourgeois (1911-2010) incorporò archetipi e temi sessuali in opere altamente personali e sculture monumentali di ragni.

Frida Kahlo. Autoritratto come tehuana (Diego on My Mind), 1943. (Ritagliato) Olio su masonite. Collezione Gelman, Città del Messico. Roberto Serra - Iguana Press / Getty Images

In America Latina, il surrealismo si mescolava con simboli culturali, primitivismo e mito. Artista messicano Frida Kahlo (1907-1954) negò di essere una surrealista, raccontando Tempo rivista, “Non ho mai dipinto sogni. Ho dipinto la mia realtà ”. Tuttavia, gli autoritratti psicologici di Kahlo possiedono le caratteristiche ultraterrene dell'arte surrealista e il movimento letterario del Realismo magico.

Il pittore brasiliano Tarsila do Amaral (1886-1973) era ostetrica di uno stile nazionale unico composto da forme biomorfe, corpi umani distorti e iconografia culturale. Immersi nel simbolismo, i dipinti di Tarsila do Amaral potrebbero essere vagamente descritti come surreali. Tuttavia i sogni che esprimono sono quelli di un'intera nazione. Come Kahlo, ha sviluppato uno stile singolare oltre al movimento europeo.

Sebbene il surrealismo non esista più come movimento formale, gli artisti contemporanei continuano ad esplorare le immagini dei sogni, la libera associazione e le possibilità del caso.

fonti

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