La definizione di forma nell'art

Il termine modulo può significare diverse cose nell'arte. Modulo è uno dei sette elementi dell'arte e connota un oggetto tridimensionale nello spazio. UN analisi formale di un'opera d'arte descrive come gli elementi e i principi dell'opera d'arte insieme indipendentemente dal loro significato e dai sentimenti o pensieri che possono evocare nello spettatore. Infine, modulo è anche usato per descrivere la natura fisica dell'opera d'arte, come nella scultura in metallo, in un dipinto ad olio, ecc.

Se usato in tandem con la parola arte come in forma d'arte, può anche significare un mezzo di espressione artistica riconosciuto come arte o un mezzo non convenzionale fatto così bene, abilmente o in modo creativo da elevarlo al livello di arte.

Un elemento d'arte

La forma è uno dei sette elementi dell'arte che sono gli strumenti visivi che un artista usa per comporre un'opera d'arte. Inoltre, per formare, includono linea, forma, valore, colore, trama e spazio. Come elemento d'arte, modulo connota qualcosa che è tridimensionale e racchiude volume, con lunghezza, larghezza e altezza, rispetto a forma, che è bidimensionale o piatto. Una forma è una forma in tre dimensioni e, come le forme, può essere geometrica o organica.

Forme geometriche sono forme matematiche, precise e che possono essere nominate, come nelle forme geometriche di base: sfera, cubo, piramide, cono e cilindro. Un cerchio diventa una sfera in tre dimensioni, un quadrato diventa un cubo, un triangolo diventa una piramide o un cono.

Le forme geometriche si trovano più spesso nell'architettura e nell'ambiente costruito, anche se puoi trovarle anche nelle sfere di pianeti e bolle e nel modello cristallino di fiocchi di neve, ad esempio.

Forme organiche sono quelli a flusso libero, sinuosi, tendenziosi e non simmetrici o facilmente misurabili o denominati. Si verificano più spesso in natura, come nelle forme di fiori, rami, foglie, pozzanghere, nuvole, animali, figura umana, ecc., Ma si possono trovare anche negli audaci e fantasiosi edifici dell'architetto spagnolo Antoni Gaudi (1852 al 1926) e in molte sculture.

Forma in scultura

La forma è strettamente legata alla scultura, poiché è un'arte tridimensionale e tradizionalmente è consistita quasi principalmente di forma, con il colore e la trama che sono subordinati. Le forme tridimensionali possono essere viste da più di un lato. Tradizionalmente le forme potevano essere viste da tutti i lati, chiamate sculture in-the-tutto, o dentro sollievo, quelli in cui gli elementi scolpiti rimangono attaccati a uno sfondo solido, tra cui bassorilievo, haut-sollievo, e affondata rilievo. Storicamente le sculture sono state realizzate a somiglianza di qualcuno, per onorare un eroe o un dio.

Il ventesimo secolo ha ampliato il significato della scultura, preannunciando il concetto di forme aperte e chiuse, e il significato continua ad espandersi oggi. Le sculture non sono più solo rappresentative, statiche, di cancelleria, forme con una solida massa opaca che è stata scolpita nella pietra o modellata sul bronzo. La scultura oggi può essere astratta, assemblata da diversi oggetti, cinetica, cambiare nel tempo o realizzata con materiali non convenzionali come la luce o gli ologrammi, come nel lavoro del famoso artista James Turrell.

Le sculture possono essere caratterizzate in termini relativi come forme chiuse o aperte. UN forma chiusa ha una sensazione simile alla forma tradizionale di una massa opaca solida. Anche se gli spazi esistono nella forma, sono contenuti e confinati. Una forma chiusa ha un focus diretto verso l'interno sulla forma stessa isolata dallo spazio ambiente. Un forma aperta è trasparente, rivela la sua struttura e quindi ha una relazione più fluida e dinamica con lo spazio ambientale. Lo spazio negativo è una componente importante e la forza attivante di una scultura a forma aperta. Pablo Picasso (1881-1973), Alexander Calder (1898-1976) e Julio Gonzalez (1876-1942) sono alcuni artisti che hanno creato sculture a forma aperta, realizzate con filo metallico e altri materiali.

Henry Moore (1898-1986), la grande artista inglese che, insieme alla sua contemporanea, Barbara Hepworth (1903-1975), furono i due più importanti scultori britannici nell'arte moderna, entrambi rivoluzionarono la scultura essendo il primo a perforare la forma di le loro sculture biomorfe (bio = vita, morfiche = forma). Lo fece nel 1931, e lo fece nel 1932, osservando che "anche lo spazio può avere forma" e che "un buco può avere la stessa forma che significa una massa solida". 

Forma in disegno e pittura

Nel disegno e nella pittura, l'illusione della forma tridimensionale viene trasmessa attraverso l'uso di luci e ombre e la resa di valore e tono. La forma è definita dal contorno esterno di un oggetto, che è il modo in cui prima lo percepiamo e iniziamo a dargli un senso, ma luce, valore e ombra aiutano a dare forma e contesto a un oggetto nello spazio in modo da poterlo identificare completamente.

Ad esempio, supponendo una singola sorgente luminosa su una sfera, l'evidenziazione è dove la sorgente luminosa colpisce direttamente; il tono medio è il valore medio sulla sfera in cui la luce non colpisce direttamente; l'ombra centrale è l'area sulla sfera in cui la luce non colpisce affatto ed è la parte più scura della sfera; l'ombra proiettata è l'area sulle superfici circostanti che è bloccata dalla luce dall'oggetto; l'evidenziazione riflessa è la luce che viene riflessa sull'oggetto dagli oggetti e dalle superfici circostanti. Tenendo presenti queste linee guida in merito a luci e ombre, è possibile disegnare o dipingere qualsiasi forma semplice per creare l'illusione di una forma tridimensionale.

Maggiore è il contrasto in valore, più pronunciata diventa la forma tridimensionale. Le forme che sono rese con poca variazione di valore appaiono più piatte di quelle che sono rese con maggiore variazione e contrasto.

Storicamente, la pittura è passata da una rappresentazione piatta di forma e spazio a una rappresentazione tridimensionale di forma e spazio, fino all'astrazione. La pittura egizia era piatta, con la forma umana presentata frontalmente ma con la testa e i piedi di profilo. L'illusione realistica della forma non è avvenuta fino al Rinascimento insieme alla scoperta della prospettiva. Artisti barocchi come Caravaggio (1571-1610), esplorarono ulteriormente la natura dello spazio, della luce e l'esperienza tridimensionale dello spazio attraverso l'uso del chiaroscuro, il forte contrasto tra luce e buio. La rappresentazione della forma umana è diventata molto più dinamica, con il chiaroscuro e lo scorcio che danno alle forme un senso di solidità e peso e creano un potente senso del dramma. Il modernismo ha liberato gli artisti a giocare con la forma in modo più astratto. Artisti come Picasso, con l'invenzione diCubismo, ha rotto la forma per implicare il movimento attraverso lo spazio e il tempo.

Analizzare un'opera d'arte

Quando si analizza un'opera d'arte, un'analisi formale è separata da quella del suo contenuto o contesto. Un'analisi formale significa applicare gli elementi e i principi dell'arte per analizzare visivamente il lavoro. L'analisi formale può rivelare decisioni compositive che aiutano a rafforzare il contenuto, l'essenza dell'opera, il significato e l'intento dell'artista, oltre a fornire indizi sul contesto storico.

Ad esempio, i sentimenti di mistero, soggezione e trascendenza che sono evocati da alcuni dei più durevoli capolavori del Rinascimento, come il Monna Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), La creazione di Adamo (Michelangelo, 1512), il Ultima cena (Leonardo da Vinci, 1498) sono distinti dagli elementi e principi compositivi formali come linea, colore, spazio, forma, contrasto, enfasi, ecc., L'artista utilizzato per creare il dipinto e che contribuisce al suo significato, effetto e qualità senza tempo.

Risorse e ulteriori letture

• Modulo, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• L'arte della scultura, Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Il buco della vita, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth contro Henry Moore, CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Opere di Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Fondazione Henry Moore, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

Risorse per gli insegnanti

• The Elements of Art: Form, Grade Level: 3-4, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Forma e forma nell'arte: programma didattico per i gradi K-4, Guida per l'insegnante, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf