La definizione di forma nell'arte

Nello studio dell'arte, una forma è uno spazio chiuso, una forma bidimensionale limitata che ha sia lunghezza che larghezza. Le forme sono uno dei sette elementi dell'arte, i mattoni che gli artisti usano per creare immagini su tela e nelle nostre menti. I confini di una forma sono definiti da altri elementi d'arte come linee, valori, colori e trame; e aggiungendo valore puoi trasformare una forma in un'illusione del suo cugino tridimensionale, la forma. Come artista o qualcuno che apprezza l'arte, è importante capire fino in fondo come vengono utilizzate le forme.

Cosa lo rende una forma?

Le forme sono ovunque e tutti gli oggetti hanno forma. Quando dipingi o disegni, crei una forma in due dimensioni: lunghezza e larghezza. Puoi aggiungere valore per dargli luci e ombre, rendendolo più tridimensionale.

Tuttavia, non è fino a quando la forma e la forma si incontrano, come nella scultura, che una forma diventa veramente tridimensionale. Questo perché la forma è definita includendo una terza dimensione, profondità, alle due dimensioni piatte. L'arte astratta è l'esempio più ovvio dell'uso della forma, ma l'elemento di forma, organico e geometrico allo stesso modo, è centrale per gran parte se non la maggior parte delle opere d'arte.

Ciò che crea una forma?

Nella sua forma più semplice, viene creata una forma quando una linea è racchiusa: una linea costituisce il confine e la forma è la forma circoscritta da quel confine. Linea e forma sono due elementi nell'arte che vengono quasi sempre usati insieme. Tre linee vengono utilizzate per creare un triangolo mentre quattro linee possono formare un quadrato.

Le forme possono anche essere definite dall'artista usando valore, colore o trama per differenziarle. Le forme potrebbero includere una linea per raggiungere questo obiettivo, oppure no: ad esempio, le forme create con i collage sono definite dai bordi del materiale a contrasto.

Forme geometriche

Le forme geometriche sono quelle definite in matematica e hanno nomi comuni. Hanno bordi o confini chiari e gli artisti spesso usano strumenti come goniometri e compassi per crearli, per renderli matematicamente precisi. Le forme in questa categoria includono cerchi, quadrati, rettangoli, triangoli, poligoni e così via.

Le tele sono in genere di forma rettangolare, che implicitamente definisce i bordi chiari e i confini di un dipinto o di una fotografia. Artisti come Reva Urban escono intenzionalmente dallo stampo rettangolare usando tele non rettangolari o aggiungendo pezzi che sporgono dalle cornici o aggiungendo rigonfiamenti tridimensionali, avvallamenti e sporgenze. In questo modo, Urban va oltre la bidimensionalità di un confinamento rettangolare ma fa ancora riferimento alle forme.

Arte astratta geometrica come la Composizione II di Piet Mondrian in rosso, blu e giallo (1930) e la Composizione XI (1918) di Theo van Doesburg stabilirono il movimento De Stijl nei Paesi Bassi. La Apple (2001) dell'americana Sarah Morris e l'opera dell'artista di strada Maya Hayuk sono esempi più recenti di dipinti tra cui forme geometriche.

Forme Biologiche

Mentre le forme geometriche sono ben definite, le forme biomorfiche o organiche sono esattamente l'opposto. Disegna una linea curva semicircolare e collegala dove hai iniziato e hai una forma organica o a forma libera simile all'ameba. 

Le forme organiche sono creazioni individuali degli artisti: non hanno nomi, angoli definiti, standard e strumenti a supporto della loro creazione. Spesso si trovano in natura, dove le forme organiche possono essere amorfe come una nuvola o precise come una foglia. 

Le forme organiche sono spesso utilizzate dai fotografi, come Edward Weston nella sua immagine sensualmente sensuale Pepper No. 30 (1930); e da artisti come Georgia O'Keeffe nel suo Cow's Skull: Red, White e Blue (1931). Artisti astratti organici includono Wassily Kandinsky, Jean Arp e Joan Miro.

Spazio positivo e negativo

La forma può anche funzionare con lo spazio degli elementi per creare spazi positivi e negativi. Lo spazio è un altro dei sette elementi e, in alcune arti astratte, definisce le forme. Ad esempio, se si disegna una solida tazza di caffè nero su carta bianca, il nero è il tuo spazio positivo. Lo spazio bianco negativo attorno ad esso e tra la maniglia e la tazza aiuta a definire la forma base di quella tazza.

Gli spazi negativi e positivi sono stati usati con grande immaginazione da M.C. Escher, in esempi come Sky and Water 1 (1938), in cui le immagini scure di un'oca volante si evolvono attraverso gradini progressivamente più chiari e poi più scuri in pesci nuotatori scuri. L'artista e illustratore malese Tang Yau Hoong usa lo spazio negativo per fare commenti politici sui paesaggi urbani, e i tatuatori moderni e antichi usano spazi positivi e negativi che combinano inchiostro e carne non tatuata.

Vedere la forma all'interno degli oggetti

Nelle prime fasi del disegno, gli artisti spesso suddividono i loro soggetti in forme geometriche. Questo ha lo scopo di fornire loro una base su cui creare l'oggetto più grande con più dettagli e nella proporzione corretta. 

Ad esempio, quando si disegna un ritratto di un lupo, un artista potrebbe iniziare con forme geometriche di base per definire orecchie, muso, occhi e testa dell'animale. Ciò costituisce la struttura di base da cui creerà l'opera d'arte finale. L'uomo vitruviano di Leonardo da Vinci (1490) usò forme geometriche di cerchi e quadrati per definire e commentare l'anatomia di un maschio umano.

Cubismo e forme

Come osservatore acuto, puoi rompere qualsiasi oggetto fino alla sua forma base: tutto è composto da una serie di forme base. Esplorare il lavoro dei pittori cubisti è un ottimo modo per vedere come gli artisti giocano con questo concetto elementare nell'arte.

Quadri cubisti come Les Desmoiselles d'Avignon (1907) di Pablo Picasso e Nude Descending a Staircase No. 3 (1912) di Marcel Duchamp usano forme geometriche come riferimenti giocosi e ossessionanti alle forme organiche del corpo umano.

Fonti e ulteriori letture

• Beck, Paula D. "Interazioni soggettive degli studenti di quarta elementare con i sette elementi dell'arte: un caso di studio esplorativo che utilizza la metodologia Q". Università di Long Island, 2014. Stampa.
• Davidson, Abraham A. "Il cubismo e il primo modernista americano". Art Journal 26.2 (1966): 122-65. Stampa.
• Kelehear, Zach. "Passa i pastelli: leadership, produzione artistica e comunità di pratica". Rivista internazionale di politica e leadership in materia di istruzione 5,10 (2010). Stampa.
• Pasko, Galina, et al. "Ascending in Space Dimensions: Digital Crafting of M.C. Escher's Graphic Art." Leonardo 44.5 (2011): 411-16. Stampa.
• Seta, Gerald. "In and out of Shape: The Art of Reva Urban." Diario d'arte della donna 34.2 (2013): 21-28. Stampa.
• Stiny, George e James Gips. "Shape Grammars e le specifiche generative di pittura e scultura." Le migliori carte per computer del 1971. Ed. Petrocelli, O.R. Filadelfia: Auerbach, 1971. 125-35. Stampa.